Anche quest’anno torna ArtePadova, giunta ormai alla 22° edizione, per portare all’attenzione del pubblico il mercato dell’arte contemporanea e non solo. Molte le gallerie che vi prendono parte sia nazionali che internazionali.

Da giovedì 10 a lunedì 14 Novembre potrete assistere nei padiglioni fieristici in via Nicolò Tommaseo a Padova al connubio tra l’innovazione e la tradizione del Novecento. Verranno esposti infatti grandi maestri di fama internazionale come Accardi, Afro, Arman, Baj, Balla, Boetti, Burri, Carrà, Christo, Clemente, De Chirico, De Pisis, Dorazio, Fontana, Guttuso, Haring, Hartung, Klee, Magritte, Mathieu, Matta, Morandi, Picasso, Pistoletto, Rosai, Rotella, Santomaso, Sassu, Schifano, Sironi, Soffici, Soldati, Tamburi, Vasarely, Vedova, Warhol.

Il panorama dell’arte contemporanea vive a Padova un exploit del tutto inedito. Ciò è portato sotto i nostri occhi dal successo, nell’ambito delle mostre visitate dai cittadini e dai turisti, non solo dei monumenti medievali e storici della città, come il complesso degli Eremitani e della Cappella Scrovegni, ma anche di eventi proposti all’interno del RAM, Ricerche Artistiche Metropolitane, che hanno portato ad avvicinarsi al mondo delle opere contemporanee circa 140 mila persone. Sempre di più un’opera d’arte prodotta nei nostri giorni è vista come un bene rifugio. E la stessa fiera Arte Padova ha registrato un incremento di partecipazione lo scorso anno del 6%. La città carrarese dedica sempre più spazio all’esposizione di creazioni artistiche di pittori, scultori e performer dell’ultima generazione, come avverrà per la mostra “Artroom, Per un incontro tra protagonisti” che viene inaugurata il 24 Novembre presso il centro Culturale San Gaetano in via Altinate. (pagina facebook)

La fiera consegnerà al giudizio attento dei compratori circa 12 mila opere provenienti da 150 diverse gallerie, fra cui la nota Galleria d’Arte Vecchiato che presenterà: Arman, Karel Appel, David Begbie, Cesare Berlingeri, Sandro Chia, Francesco Clemente, Antonio Corpora, Enzo Cucchi, Silvio Fiorenzo, Hans Hartung, Francesca Leone, Li Chun, Li Xiao, Lin Tian Miao, Liu Wei, Ma Han, Georges Mathieu, Silvia Papas, Cinzia Pellin, Rabarama, Anna Santinello, Giuseppe Santomaso, Shen Xiaotong, Giulio Turcato, Jacques Villeglé, Xiong Lijun.

Un appuntamento da non perdere. Registrandosi sul sito di Arte Padova potrete aver diritto ad una riduzione sul biglietto d’entrata alla fiera.

Il progetto, così come l’ha pensato il suo ideatore, l’artista Teodosio Campanelli, prevede la creazione di un monumento da inserire all’interno di un parco o di una zona verde e formato da pietre, ciascuna scolpita da una grande artista. Sì perché tutte le donne che sono per l’arte e per la pace sono chiamate a promuovere questo progetto, ma anche a trasformarlo in realtà.

Tante pietre posizionate in forma di spirale al centro di un prato per indicare vita e continuità verranno scolpite da dieci artiste scelte attraverso un concorso ogni anno in tutto il mondo. Dieci sculture all’anno quindi, all’interno di questo complesso simboleggiante la pace e la solidarietà tra i 192 Paesi del Mondo.

Che ne dite? Le donne che amano l’arte, le sfide e che credono che in futuro la pace possa diventare veramente un valore condiviso da tutta l’Umanità, possono e forse devono prendervi parte.

Dieci artisti della gioielleria esposti a Padova per celebrare il mito del Kitsch, il movimento postmoderno che ha fatto della paccottiglia e della bigiotteria un vero oggetto dei desideri. Il connubio tra donna e gioiello ha trovato in passato e trova oggi espressioni le più diverse. Si va dal prodotto di altissima gamma e del lusso, alla paccottiglia e alla bigiotteria che potremmo definire Kitsch. Ma cos’è veramente il Kitsch, solo il cattivo gusto della borghesia che non può fare a meno del patetico?

Quella del Kitsch è un’arte tutta concentrata sull’estetica. Fu Hermann Broch con intento spregiativo a coniare il termine in un suo celebre saggio del 1933 cercando di contrapporre l’arte post-romantica a quella classica nel tentativo di superare e separare le due scuole. Nato sul finire del 900 il movimento ha visto alla fine del secolo scorso una nuova esplosione raggiungendo punte di neo-barocco, neomanierismo e neosimbolismo.

Realtà e finzione risultano fuse insieme all’interno di questa corrente. Un nuovo immaginario mette assieme la memoria e la sua deformazione, la precisione e il vago, l’orrore e il piacere, il mito e il miticismo, l’ironia e il sarcasmo per reinterpretare il mondo e, in un certo senso, sdrammatizzarlo offrendo al fruitore una rappresentazione in sé conclusa, semplice, lineare ed interpretabile in un unico senso, spesso quello sentimentale. Le piccole cose di pessimo gusto, così le definiva Guido Gozzano in una sua celebre lirica.

Ora 10 artisti che potremmo inserire in quella corrente trovano spazio mostrando al pubblico le proprie creazioni per farsi portatori di un modo di un’interpretazione raffinata della gioielleria. E forse in nessun altra arte come in quella orafa e del gioiello, il kitsch può trovare essenza più naturale e gradita perché l’arte e la sua applicazione si sposano perfettamente negli intenti.

Non arte deteriore, ma arte che alla bellezza sublime seppe dedicarsi completamente fino a raggiungere l’eccesso anche nella perversione, sacrificando valori quali l’armonia e l’equilibrio.

Così dice Graziella Folchini Grassetto:

L’arte contemporanea registra questo ritorno all’estetismo arricchito di significati ed esperienze filosofiche, psicanalitiche e sociali elaborati nel corso del Novecento.

Gijs Bakker, David Bielander, Helen Britton, Jant Je Flieschuut Tanel Veenre e tanti altri esporranno i loro gioielli a Padova in via Dei Soncin. L’inaugurazione si terrà Giovedì 3 novembre.

Può l’arte diventare uno strumento di guarigione, un sistema per consentire alle persone di raggiungere un benessere psicologico? Certo che può. L’arteterapia si propone proprio di raggiungere questo obiettivo. Questa disciplina infatti contribuisce alla diagnosi e alla cura della persona con disagi psicologici di varia natura.

A Roma l’associazione Arianna si occupa proprio di questo. Nata innanzi tutto per aiutare le donne in difficoltà, offrendo loro un sostegno psicologico, è composta da un team di psicoterapeuti e arte-terapeuti che hanno come obiettivo il raggiungimento del benessere delle persone, attraverso l’utilizzo dell’arte-terapia.

Con i mezzi espressivi della pittura, del disegno e del collage, si aiuta chi si sottopone a questa terapia a sviluppare la creatività e ad esternare le proprie emozioni più profonde.

L’ultimo progetto di Arianna in collaborazione con “Il Campo dell’Arte” di Grottaferrata, cerca di rendere le donne più consapevoli delle proprie capacità e del loro ruolo. Melissa, una delle organizzatrici del laboratorio espressivo, afferma:

Molto spesso le donne non hanno consapevolezza del loro potenziale, e per me è importante aiutarle e sostenerle in un percorso in cui possono ri-scoprire se stesse e darsi delle nuove possibilità. Credo nel potere femminile e nel mio piccolo mi adopero affinché questo potere venga messo in tutti gli ambiti della vita.

Il corso, che si compone di quattro incontri, prenderà spunto dalle grandi donne pittrici del 900, come per esempio Frida Kalho, una delle più rappresentative, sia per come ha usato lo strumento della pittura, sia per l’insegnamento che ne ha tratto. Dopo di che le donne che partecipano al corso si applicheranno nella creazione di un progetto grafico, un disegno, una pittura, un collage. A fine lezione poi, sedute tutte assieme, le donne cercheranno di motivare le proprie scelte creative facendo emergere quali profonde motivazioni le abbiano indotte ad esprimersi con il pennello in quel modo.

Il corso partirà il 12 novembre, avrà cadenza settimanale e durerà ogni volta due ore e mezza, dalle 10,00 alle 12,30. Per l’iscrizione rivolgersi a Melissa cel. 349.17.53.124, mail ma.melissa@tiscali.it.

Ciò che la Russia ha regalato alla storia della danza mondiale e all’arte teatrale è qualcosa di incommensurabile. È esistito un periodo, quello d’oro della fine dell’800 e dei primi anni del 900 in cui la Russia, pur se attraversata da sommovimenti politici e sociali, è riuscita a riformare l’arte della recitazione e l’intero panorama del balletto.

E ciò è avvenuto soprattutto perché, da parte di impresari geniali, e di registi, drammaturghi e coreografi, è stata posta un’attenzione spasmodica al dettaglio nel tentativo di raggiungere la perfezione. Per tutti questi motivi, celebrare quell’epoca e quelle innovazioni oggi, nell’anno della cultura della lingua russa in Italia, è un’occasione per rendersi conto, partendo da ciò che è rimasto di quelle esibizioni effimere, di quella grandezza.

E ciò che è rimasto sono i costumi di scena dell’epoca, raccolti in una collezione cercata e portata in Italia dalla russista Francesca Della Bernardina e ottenuta grazie al collezionista scenografo Alexandre Vassiliev con la collaborazione di Noah Brand Energy. Grazie a questa sinergia è nata la mostra che aprirà il 17 settembre per chiudersi il 6 gennaio a Palazzo Mocenigo di Venezia dal titolo “Tra moda e costume. Il tempo di Djagilev”.

Durante la visita sarà possibile farsi un’idea dello stile di inizio secolo legato alla compagnia del Ballets Russes e alle opere messe in scena dall’impresario Sergej Djagilev. Uno stile di ispirazione orientale che sarà apprezzato in tutta Europa. Si tratta di una collezione di costumi creati dalle maggiori case di moda europee la cui origine è legata ad alcune famiglie aristocratiche russe stabilitesi nel continente dopo la rivoluzione e principalmente in ambienti parigini.

Filtrato attraverso la lente della moda, quel periodo appare affatto diverso da come lo abbiamo sempre conosciuto e soprattutto sull’importanza dello stile russo a livello planetario.

Durante questa mostra sarà inoltre possibile ammirare la collezione di Toni Candeloro, ad oggi, la più grande collezione italiana sull’arte della danza.

Non perdete quindi l’occasione di ammirare abiti bellissimi e di comprendere più a fondo un Paese che oggi vive un periodo di nuovo boom economico, proprio quando l’Occidente e la sua leadership, anche culturale, volge al declino.

Paola Epifani (vero nome della scultrice Rabarama) è una donna che ha saputo farsi strada nel mondo dell’arte grazie soprattutto alla sua tecnica, al gusto per il classico e alla sua capacità di creare con le sue opere un oggetto di contemplazione e un argomento su cui riflettere.

Le sue statue in bronzo dipinto sono diventate molto celebri: sculture che riproducono sempre la figura umana, ma intarsiata di colori e forme incise; dipinte come nelle società tribali per transcodificarne il significato; oppure riprese in gesti che ricordano il mondo della danza e del balletto. La leggerezza è una delle qualità che risaltano di più dalle sue enormi sculture già esposte in varie nazioni in giro per il mondo come Messico e Singapore.

Anche i dipinti della Epifani riproducono costantemente lo stesso tema e sembrano quasi disegni preparatori di ciò che farà poi con la scultura. Quest’artista infatti si muove principalmente su due livelli: quello solido che è possibile toccare ma gustare anche con l’occhio, e quello liquido del colore, della pittura che simula la tridimensionalità.

Alcune delle sue più note collezioni sono:

• Primi mutanti
• Attraverso il corpo
• Oltre la Terra
• Dopo la ragione
• Sulle tracce del destino

Ciò che sembra volere Rabarama è soprattutto instaurare un dialogo con il fruitore affrontando temi di stretta contemporaneità come la metamorfosi, le mutazioni genetiche, le crisi dell’uomo contemporaneo e la sua identità. Si tratta di una donna che sa incantare e attrarre attraverso un bagaglio di immagini che è al contempo classico e moderno, con richiami al mondo tribale e al neo-pop. Nelle sue opere si può vedere anche la fusione di discipline artistiche diverse: pittura, danza e scultura. Insomma, un’artista su cui investire, ma anche una creatrice di sculture che non ci stanca mai di guardare.

Interrogandosi su queste questioni alcune amiche di una piccola galleria d’arte/mostra, che si chiama Iltempoarte, di Montepulciano si sono organizzate e sono diventate artiste producendo oggetti d’arredo e opere d’arte riciclando i materiali di scarto.

Nel periodo che viviamo a metà strada tra rivoluzione post-industriale del consumismo occidentale e nuovo Kitsch derivante dall’industrializzazione orientale, questa iniziativa finisce col diventare un vero modo per interrogarsi sul valore della materia ai giorni nostri.

Non tanto perché la materia abbia perso un ruolo (e di fatto lo ha perso) nella nostra epoca, quanto perché i materiali usati per produrre gli oggetti in serie a volte è divenuto artificiale, come nel caso della plastica…. a volte è stato svalutato come nel caso di legno e del vetro.

E allora ben venga questa iniziativa che propone una rassegna di materiali nati dalla produzione in serie e tornati a fornire spazio alle idee creative e personali dell’uomo, riuscendo ad affermarsi di nuovo come oggetto unico. Merita quindi almeno un giro da quelle parti questa mostra de Iltempoarte di Montepulciano che rimarrà aperta fino al 31 ottobre 2011.

Un momento particolare dell’arte italiana del secondo dopoguerra viene rievocata nella mostra che si terrà dal 17 settembre al 9 ottobre presso il Centro Culturale Altinate San Gaetano della città di Padova. Un periodo fecondo di iniziative e invenzioni a cavallo tra figurativismo ed astrazione, impulso gestuale e critica sociale che seppe narrare le trasformazioni nelle concezioni e nel carattere del lavoro degli italiani nell’epoca d’oro del boom economico.

La ricerca espressiva che fa eco ai movimenti cubisti di Giulio Turcato e Domenico Cantatore è solo una delle tante coniugazioni del tema di questa mostra che si esplicita poi attraverso i lavori di grandi pittori come: Renato Guttuso, Armando Pizzinato e Giuseppe Zigaina.

Tutte le opere provengono dalla Galleria del premio Suzzara, nato nel 1948 su iniziativa di Dino Villani e patrocinato nella regia e nella giuria da Cesare Zavattini. Il premio si distingue fin da subito per due motivi fondamentali:

Nella giuria oltre agli esperti figurano anche uomini comuni: operai e lavoratori chiamati a interpretare e giudicare le opere presentate.

E poi per le caratteristiche dei premi: premi che valorizzavano le produzioni locali, le peculiarità del territorio. Ecco allora cucine, fusti di vino, prodotti agricoli finire nelle mani di un Guttuso o di un Turcato come simbolo di questo premio fatto da lavoratori che premiava opere che parlavano di lavoratori.

E allora non perdete la possibilità di ricostruire un pezzo importante della storia italiana, spesso mitizzato nei grandi film del passato e concedetevi l’occasione per conoscere un realismo diverso che non ha a che fare con lo stile rappresentativo ma piuttosto con le tematiche scelte. Un realismo che nell’anima degli artisti e delle opere prima che nei segni. Il realismo del boom economico che ha segnato per sempre lo spirito della nostra Nazione.

Se vi trovate in Inghilterra o avete la possibilità di recarvi a breve laggiù non perdetevi la mostra più suggestiva dell’estate europea: Frida Kahlo and Diego Rivera: from the Gelman Collection che è possibile visitare presso Pallant House Gallery, Chichester, West Sussex, UK fino al 2 ottobre di quest’anno.

Diego Rivera era un uomo celebre e donnaiolo, tuttavia Frida Kalho fu sicuramente la donna della sua vita. I quadri della collezione Gelman, collezionisti degli anni 40, esprimono tutto il talento dei due grandi artisti messicani e il loro amore per le tradizioni della loro terra e l’anima sudamericana e indios.

Frida Kalho diede un nuovo significato alle parole “donna e arte” dimostrando tutto il potere della sua umanità nei suoi dipinti e nel suo estremo coraggio di vivere.

Fra le opere che è possibile ammirare molte sono di Frida Kalho come “Abbraccio d’amore dell’universo” o “Diego nella mia mente”. Anche molti dei celebri autoritratti come con quello con la scimmia.

Non perdete quindi l’occasione: questa sarà una mostra indimenticabile per voi che unirà il vostro spirito di donna con l’amore per l’arte.

La sua storia affascina, intenerisce e stupisce. Nata nel 1907 alla soglia della rivoluzione messicana fu da sempre una grande sostenitrice del popolo, vicina ad esso, alle sue tradizioni, alle sue origini precolombiane e questo nonostante fosse figlia di un immigrato tedesco.

Nata con la malformazione della spina bifida che i genitori scambiarono per poliomelite, a soli 17 anni subì un grave incidente che la costrinse a letto col busto ingessato per molto tempo. Fu in quel periodo che si dedicò all’arte.

Eravamo saliti da poco sull’autobus quando ci fu lo scontro. Prima avevamo preso un altro autobus, solo che io avevo perso un ombrellino. Scendemmo a cercarlo e fu così che salimmo su quell’autobus che mi rovinò. L’incidente avvenne su un angolo, di fronte al mercato di San Juan, esattamente di fronte. Il tram procedeva con lentezza, ma il nostro autista era un ragazzo giovane, molto nervoso. Il tram, nella curva, trascinò l’autobus contro il muro.

Il padre, assecondando i suoi desideri, le costruì un letto a baldacchino che le consentiva di dipingere. Una volta levato il gesso, riuscì, con molte difficoltà, a tornare a camminare. I dolori del suo corpo magro, mingherlino e peloso non l’abbandoneranno più, per il resto della sua esistenza.

Immediatamente dopo essersi rimessa, almeno parzialmente, porterà i suo quadri a Diego Rivera che stava diventando allora una gloria nazionale. Il pittore e muralista messicano rimarrà profondamente affascinato dalla donna, dalla sua tenacia e dal suo fervore artistico e umano. Oltre naturalmente che dalla sua opera che Rivera giudica moderna e folgorante. I due si sposano il 21 agosto 1929. Frida era entrata da poco a far parte della vita politica e culturale messicana aderendo al partito comunista. I due avevano 20 anni di differenza.

Andrà a vivere assieme a Diego in un’abitazione particolare, formata da due case collegate da un ponte per avere ciascuno i propri spazi artistici. Nel 1939 il loro matrimonio va in crisi poiché Diego la tradirà con la sorella Cristina Kalho. Divorziano ma si ricongiungono l’anno successivo quando Rivera torna dalla pittrice dichiarandole di nuovo il suo amore. Lei lo accetta ma non senza qualche riserva. Parte di questa storia è raccontata da Frida stessa nei suoi diari.

In seguito anche Frida darà spazio a numerosi tradimenti e avrà molti amanti, sia maschili che femminili, come Lev Trotsky e André Breton. Qualche anno prima di morire le viene amputata una gamba in evidente stato di cancrena. Sul letto prima di andarsene per sempre, al termine di una vita di disavventure e sofferenze, ma vissuta con coraggio, pronuncia alcune parole che dimostrano ancora una volta la sua grandezza, il suo spirito granitico e la sua grande sagacia: “Attendo con gioia la mia dipartita. E spero di non tornare mai più.”

Nel corso della sua vita il suo stile di pittura si perfezionò sempre di più: la permanenza sul letto a baldacchino con specchio annesso le permise di sperimentare l’autoritratto che rimarrà centrale nella sua poetica. Uno stile naif e dai toni e richiami alle culture precolombiane furono usate e assorbite dalla pittrice per raccontare la sua psiche, il suo mondo interiore, esplorando palmo a palmo quella sua fertile pianura creativa. I quadri pre-simbolisti sono arricchiti da una dose non insignificante di verve e ironia.

Dal 1938 si intensifica la sua attività pittorica e nasce quella che Breton chiamerà una surrealista che si è fatta da sé. Il critico d’arte francese ideatore della corrente surrealista sarà talmente stregato dalle sue opere da esporle a Parigi in una personale. Nelle opere di questa seconda fase Frida dipingerà un suo alter ego bambino, simbolo anche del suo rammarico di non avere figli. In questi dipinti compariranno tracce del suo erotismo represso e della sua bisessualità con figure ibride maschio femmina. Lei stessa non disdegna di dipingersi con peluria in faccia e con il classico mono-sopracciglio che portava con orgoglio, simbolo delle sue origini sudamericane. Le caratteristiche concettuali del suo modus pingendi esulano e si diversificano da quelli del surrealismo classico. La sua creatività e la sua immaginazione non erano un modo per uscire dalla logica e immergersi nel subconscio, ma piuttosto il risultato della sua analisi interiore e il tentativo di esprimerla accettando sofferenze e dolori mediante simboli. Ù

Esistono numerose opere che raccontano la sua vita:

• il libro Viva la Vida, 2010 edito da Feltrinelli di Cacucci Pino
• il libro Frida del 2010 edito da Baldini Castoldi e Dalai di Herrera Hayden
• il film Frida del 2002 interpretato da Salma Hayek

Al Museo Corner

Julian Schnabel

Permanently Becoming and the architecture of seeing

fino al 27 novembre 2011

Quaranta opere per raccontare la carriera di Julian Schnabel, artista di New York con un poliedrico spirito creativo e apprezzato regista cinematografico. Un fenomeno americano si racconta attraverso il suo lavoro a partire dagli anni ’70, un artista a tutto tondo la cui poetica è stata influenzata da Pollock e Twombly, ma ancorata anche alla civiltà mediterranea e a maestri come Tintoretto e El Greco e che vive di grandi citazioni letterarie da Omero a Eschilo.

Al Museo Fortuny

Tra

Edge of becoming

fino al 27 novembre 2011

Nella totalità del Palazzo è stato sviluppato un innovativo progetto espositivo nato dalla collaborazione tra i Musei Civici Veneziani e la Vervoordt Foundation. Un progetto che cerca di indagare, attraverso discipline artistiche diverse fra loro i concetti di transito, passaggio e soglia.

A Ca’ Pesaro Galleria internazionale Arte Moderna

Pier Paolo Calzolari

fino al 30 ottobre 2011

25 opere dell’artista Paolo Calzolari esposte al primo piano di Ca’ Pesaro e nell’androne del palazzo. Si tratta di lavori che vanno dal 1968 ad oggi. Di fronte alle acque del Canal Grande sarà inoltre possibile ammirare la scultura dal titolo piuttosto emblematico: “Struttura Ghiacciante” del 1990.

A Ca’Pesaro sala 10

Anita Sieff

PSYCHE

fino al 21 agosto 2011

Anita Sieff si esprime attraverso video sperimentali. I contenuti basilari dei suoi filmati in questa mostra, come dice il titolo stesso, riguardano il rapporto tra animo e amore. Per questa artista l’amore è il grande motore universale, come lo era per Dante. Entrando e visitando questa mostra ci si misura con il mito molto spesso raccontato tra “Amore e Psiche” che trova in Canova e Petronio due grandi precedenti storici. Ma compito di questa artista è anche stordire e sbilanciare il visitatore mettendo in gioco l’egemonia dell’esperienza visiva ponendo in risalto l’elemento auditivo. “La realtà è cibernetica e ottuplice, comprende corpo e mente, spaziotempo e cyberspazio” è quanto afferma Anita Sieff.

Lo hanno definito un “Cantiere permanente dell’arte femminile” creato per resistere ai tagli alla cultura applicati dai governanti del nostro Paese. Non vogliamo insistere su questi temi che sono stati già ampiamente dibattuti e trattati. Vorremo solo presentarvi questa bella iniziativa sorta a Collegno nel Parco della Certosa e nato dallo sforzo congiunto di pittrici, scultrici, danzatrici e attrici. Vorremo solo presentarvi il MAD, il Museo dell’Arte della Donna.

Naturalmente un progetto come questo non nasce dal nulla. Villa5 aveva già ospitato dei workshop in passato. Proprio da alcuni workshop chiamati “Approdi” ha preso vita questo progetto. Ad esso partecipano artiste di fama internazionale come Claudia Losi che con la sua “Balena” ha girato già il mondo: una balena di tessuto a grandezza naturale che è stata in molti luoghi della Terra. O come l’iraniana Shirin Neshat fotografa ed autrice di video che raccontano anche il suo esilio da Teheran e il regime degli Hayatollah. O come la portoghese Johana Vasconcelos che ha esposto nel 2005 alla Biennale di Venezia.

Ci sono lavori anche di Laura Ambrosi, installazioni di Chen Li, dell’architetto e designer Silvia Salchi, della performer e artista britannica Lucy Orta, o di Frida Kalo. Il MAD è  aperto su internet ed è possibile visitarlo online.

Non perdete l’occasione di conoscere questa iniziativa.

Nata nel 1936 a Giessen in Germania, Lore Bert oggi vive e lavora tra Magonza e Venezia. Il viaggio ha da sempre caratterizzato la sua vita e questa sua esperienza in giro per il mondo ha dato alle sue opere un tocco di internazionalità sia dal punto di vista materico che concettuale.

Con la carta Lore Bert crea una mappatura dei viaggi e del vissuto della sua vita: usa carta di ogni genere, dalla foglia d’oro alla carta nepalese, dalla carta giapponese al papiro. Attraverso le sue opere esprime l’importanza e il rispetto di ogni cultura con forme prese in prestito dall’immaginario universale.

Cerchi, quadrati, rettangoli, spirali, figure geometriche, quadrifore e trifore ispirate al mondo dell’architettura, o anche piante di edifici, chiese, moschee, che “sulla carta” diventano immediatamente vicine sovrascrivibili e simili.

Si è cimentata con varie tipologie artistiche: quadro, scultura e installazione, architettura dello spazio mediante uso della luce: le opere sembrano così immerse in un processo atemporale, creato da un equilibrio di forme, colore, luce, ritmo e materia.

In una delle sue opere, un’installazione per la Sala Das Pegas al Palazzo Nazionale di Sintra in Portogallo, la carta instaura un rapporto con l’architettura: i fogli trasparenti, quasi volatili, alleggeriscono la stanza, fondendosi con essa.

Lore Bert è sicuramente un’artista in continua evoluzione e la varietà dei suoi lavori è il frutto di una ricerca costante e di una fantasia inesauribile abbinata alla fragilità di un materiale, la carta, che lei piega, taglia e incolla costruendo qualcosa di evanescente che rispecchia la transitorietà dell’esperienza umana.

Sì perché la mostra è dedicata agli esseri viventi non umani. Così recita l’articolo 1 della Dichiarazione Universale dei Diritti degli animali: “Tutti gli animali nascono uguali davanti alla vita e hanno gli stessi diritti all’esistenza“.

Su questo tema si sono cimentati artisti, pittori e musicisti che esporranno le loro opere dall’ 1 al 17 luglio 2011 presso l’ex macello al Foro Boario. Infatti educare al rispetto per gli animali significa anche educare al rispetto per i più deboli e all’accettazione delle diversità e disabilità.

Cuori sulla terra ha lo scopo di farci riflettere sul fatto che noi tutti, uomini e animali condividiamo lo stesso ambiente e pianeta e partecipiamo tutti della stessa emotività e partecipazione. Tra l’uomo e gli animali esiste un rapporto stretto. Fin dalle origini, nella cultura ebraico cristiana, l’uomo li domina e li possiede, ma in quanto creature di Dio li rispetta. «Chi sa se il soffio vitale dell’uomo salga in alto e se quello della bestia scenda in basso nella terra?» Così chiede Qoelet nel libro della Bibbia: il quesito non è di facile soluzione. Il rispetto per la Vita è una delle grandi conquiste dell’uomo e segno di civiltà: esso si manifesta anche mediante il rispetto per gli animali.

Programma Inaugurazione evento
Venerdì 1 luglio
ore 18.30 – inaugurazione Mostra d’arte collettiva
ore 19.30 – performance Piovono uccelli con Sonia Furiato
ore 20.15 – degustazione naturale: infusi, tisane offerti da “il 6° Sapore”
ore 20.45 – Per un nuovo mattino del mondo. Religioni, filosofie e diritti degli animali (incontro con Gino Ditadi, studioso delle ideologie, storico e filosofo della deep ecology)

Scarica il Programma complessivo

Estate Carrarese 2011-logo.JPG Evento inserito in “Padova Estate Carrarese 2011″

Informazioni
Ingresso libero
Orario mostra 16-20, chiuso lunedì
Laboratorio didattico nei giorni 5, 6 e 7 luglio ore 10 – 12
Ingresso libero

Servizio Mostre del Settore Attività Culturali
tel. 049 8204539-4553
gennaric@comune.padova.it
infocultura@comune.padova.it

http://padovacultura.padovanet.it

Modelle in movimento e in esposizione, défilés, gioielli d’autore e danza daranno vita a una performance che punta a stupire. La moda sbarca a Venezia e stupisce con effetti speciali. Sarà un evento di grandissimo richiamo la sfilata-performance di bijoux d’arte intitolata “ARCANA”, che si terrà:

mercoledì 15 giugno alle ore 15.00 a Ca’ Zanardi
(Cannaregio 4132 Campiello Zanardi)

In un momento in cui la Biennale di Venezia apre le porte alla 54esima esposizione d’Arte, anche i designers veneziani che fanno parte del progetto ¿Do You Bead? puntano ad un evento di alta qualità che sarà ospitato nel PADIGLIONE TIBET, allestito a Ca’ Zanardi. Il Padiglione, curato da Ruggero Maggi, espone il sogno di una nazione libera e in grado di diffondere un messaggio di pace in tutto il mondo. Con le sue installazioni multimediali site-specific dedicate al Tibet, una grande rassegna di opere realizzate direttamente sulla “khata”, la tipica sciarpa che in Tibet i monaci usano come forma di saluto, il Padiglione Tibet, interagendo con “ARCANA”, darà vita ad un evento emozionale in cui sarà evidenziata la fusione tra l’arte Sacra Tibetana ed l’arte contemporanea Occidentale.
E non potevano mancare le provocazioni: oltre una ventina di modelle sfileranno in movimento, ma saranno anche “esposte in vetrina”. Bellezze solo da ammirare, manichini per sfoggiare bellissimi gioielli o donne prigioniere di una visione stereotipata? Insomma, riflettori accesi sulla figura femminile, sul suo ruolo nella società attuale, e una vetrina per 7 designers che lavorano a Venezia per proporre 70 gioielli d’arte composti con le perle veneziane, una delle lavorazioni artigianali più antiche della Laguna. I designers di Do You Bead, desiderano lanciare, nella cornice del padiglione Tibet, in piena condivisione con gli ideali di questo Paese, un messaggio di pace, ma anche di conservazione della cultura e delle tradizioni di Venezia.
Partendo infatti dal presupposto che le perle di vetro sono parte fondamentale dell’enorme patrimonio artistico che la città di Venezia ha prodotto durante i secoli, ¿DYB? vuole dare impulso al settore dell’arte vetraria che si occupa della produzione delle perle, favorendo la diffusione della conoscenza e, conseguentemente, educando all’acquisto di perle di vetro di altissima qualità.

L’EVENTO
L’evento si divide in due parti: la prima parte, della durata di circa 30 minuti, prevede una installazione con 14 modelle che indosseranno creazioni di vetro di tutti e 7 i designers. La scuola di danza Overdream eseguirà le coreografie di 3 sfilate. I costumi di due sfilate saranno invece curati dagli atelier di Pietro Longhi e Rubentini. Le sfilate saranno 7 sul tema “Arcana”: ogni designer ha scelto un fatto, un periodo o un “pensiero” misterioso e lo ha rielaborato ed interpretato attraverso una collezione di gioielli di vetro. I titoli dei défilés sono: I segreti di Casanova; Sogno di una notte di mezza estate; Il mistero della creazione; Le mille e una notte; El Dorado, il mito dell’oro; Leggende veneziane; Al-kimiya. Al termine delle sfilate, nella Bellini lounge che verrà allestita sulla terrazza di Ca’ Zanardi, durante un brindisi con il cocktail rosa di Venezia e krumiri di Monferrato, verranno presentati i braccialetti creati appositamente per Canella-Bellini: una serie di perle che ripropongono il gusto, i colori, l’emozione della bevanda più famosa di Venezia e che ha ispirato una serie di nuovissime creazioni. L’evento “Arcana” sarà riproposto il giorno 21 settembre alle ore 15.00 a Palazzo Flangini (Cannaregio 252 Venezia).

PERLE IN CORTE: Tra le iniziative in calendario c’è la serie di appuntamenti intitolati “Perle in corte”, il cui obiettivo è diffondere la cultura e la tradizione delle perle di vetro di Venezia e Murano, sempre più minacciate dalla commercializzazione di prodotti di nessun valore repertoriale e storico. I prossimi appuntamenti saranno:
- il 22 giugno alle ore 16.00 – “Le carovane dei sogni”. Palazzo Odoni (Santa Croce 151 Fondamenta Minotto) – introduzione Augusto Panini.
- il 14 settembre ore 16.00 – “Ercole Moretti: un secolo di perle veneziane”. Ca’ della Corte (Dorsoduro 3560 Corte Surian) – introduzione Gianni Moretti.
Per informazioni www.doyoubead.com oppure info@doyoubead.com

¿Do You Bead? è un progetto presentato in network da:

L’Opera al Bianco di Cristina Bedin, Santa Croce 1239/a, 30135 Venezia (azienda capofila) – www.operavenezia.com

SUV – Venetian Beads di Salvatore Sito e Antonella Rossi snc, Cannaregio 97/d, 30121 Venezia – www.suv-glassbeads.it

Susanne Sander, Jocherstraße 8, 85221 Dachau, Germania –www.collane-di-perle.de

Costantini Glassbeads di Alessandro Moretti, Calle Brussa 4, 30141 Murano-Venezia – www.costantiniglassbeads.com

Muriel Balensi, Castello 3371, 30122 Venezia – murielbalensi@gmail.com

La Bricola di Matelda Bottoni – Venezia S. Marco 4994 – email labricola@email.it

Venetian Dreams di Marisa Convento – Venezia S. Marco 3805/a – email venetiandreams@libero.it

Appena l’ho vista sono rimasta incantata a guardare questa bambina che pasticciava con i colori e li rovesciava quasi a caso sulla tela. Ho pensato? Ma cosa sta facendo. Poi vedendo il risultato finale sono rimasta grandemente impressionata. Quadri che hanno un costo dai 240 ai 2000 dollari. E scusate se è poco.

Guardate questo quadro:

Avreste mai detto che a farlo è stata una bambina di quattro anni?

Questa è infatti l’età di Aelita che dipinge da quando ne aveva due. A questo punto bisogna anche chiedersi: ma questa bambina è solo l’ennesimo esempio di bambina prodigio?

Aelita è australiana, figlia di Michael Andre e Nikka Kalashnikova, uno pittore, l’altra fotografa che visto il talento della loro piccolina hanno pensato di sfruttarlo al meglio vendendo le sue opere con l’appoggio del gallerista Mark Jamieson che ha esposto i quadri prodotti.

Naturalmente Aelita non è l’unica bambina ad avere queste doti di grande artista. Anche Zack di 3 anni è un grande prodigio dell’arte. Alla sua età dipinge meglio di quanto potrebbe mai fare qualsiasi adulto.

Proprio questa è in sintesi la definizione di prodigio. Un bambino sotto i 13 anni che possiede doti naturali che gli permettono di esprimersi in campo scientifico, intellettuale o artistico allo stesso livello degli adulti, che invece hanno impiegato del tempo ad apprendere tecniche e competenze.

I bambini normali non hanno alcun senso artistico. Secondo lo psicologo Andrea Ricci i bambini nei loro lavori si limitano a registrare il loro progresso intellettuale e non hanno, al pari degli adulti, consapevolezza di star producendo arte.

Secondo un altro esperto della materia, Cyril Burt, ha individuato gli stadi di sviluppo delle capacità artistiche nei bambini:

• al primo stadio c’è il ghirigoro (2-5 anni);
• al secondo la linea (4 anni);
• al terzo il simbolismo descrittivo (5-6 anni);
• al quarto il realismo descrittivo (7-8 anni);
• al quinto il realismo visivo (9-10 anni);
• al sesto la repressione (11-14 anni);
• al settimo la ripresa artistica (adolescenza)

Non stupitevi quindi se il vostro piccolo non è come loro: perfettamente normale. Come è altrettanto normale che i genitori di Aelita sfruttino questo suo talento per fare denaro. Secondo voi è giusto? Fatemelo sapere mentre vi godete le performance di questi enfant prodige. E non invidiateli.

Quali sono le emozioni che esso può comunicare? Può avere un significato esporlo senza che risulti impudico o pornografico? Se lo sono chiesti il marchio di vestiti Hettaretz di Milano e il sito che da anni vende online fotografie d’autore Artistocratic e hanno deciso di dare la loro risposta attraverso una mostra “Undressed, la donna e il nudo nella fotografia d’autore dal 900 ad oggi” in cui hanno messo a nudo la nudità delle donne attraverso 25 scatti di altrettanti famosi fotografi italiani e internazionali.

Ciò che ne risulta è uno spettacolo avvincente dove grandi artisti del secolo appena trascorso si cimentano nell’arte del nudo offrendo espressioni, mutamenti di sensibilità e gusto, fantasia che anziché mortificare il corpo della donna lo esaltano, quale strumento poetico e di narrazione.

La fotografia infatti racconta sempre un momento, un istante. Gli scatti artistici, poi, spesso sono organizzati in modo complesso per dare forma all’idea del fotografo. Colore, bianco e nero, pose, gioco tra body-painting, pelle dipinta, tatuata, e figure mezze vestite sono i soggetti di questi ritratti.

Ecco alcuni degli artisti in mostra: Man Ray, Edward Weston, Bill Brandt fino ad arrivare a Helmut Newton, Joyce Tennenson, Ferdinando Scianna, Karl Lagerfeld, Hideki Fujii e Araki.

Le foto saranno esposte presso lo studio Hattabretz in via Manzoni 41 a partire dal 5 maggio.

Noi de “Ilsitodelledonne” vi proponiamo in anteprima una minigallery di alcuni gioielli espsoti.

Da qualche tempo Padova sta riscoprendo il secolo del ’300 dedicando una serie di iniziative al periodo della Signoria Carrarese.

Ma questa città è stata anche sempre attenta all’arte del gioiello fondando, grazie a Mario Pinton, negli anni ’50 una scuola orafa padovana presso la scuola d’arte Pietro Selvatico con la sezione dei metalli.

Creatività contemporanea unita a gusto e attenzione per la tradizione trecentesca sono le linee guida del concorso internazionale “Premio Internazionale Mario Pinton – Prima edizione. Castelli, miniature, astri e alchimia. La Padova Carrarese nel gioiello contemporaneo” che darà vita a una grande mostra presso l’oratorio San Rocco dal 13 maggio al 17 luglio 2011.

Al concorso hanno partecipato 60 artisti provenienti da tutto il mondo e di fama internazionale che hanno fatto del loro meglio per interpretare lo spirito della città patavina.

Solo per citarne alcuni:

• il tedesco Georg Dobler
• Giorgio Cecchetto
• Annamaria Zanella
• Bruno Martinazzi
• Antje Brauer
• la tedesca Silvia Walz

Presto anche una piccola anticipazione fotografica sui gioielli esposti.